Por uma geografia da arte paulistana

Houve um momento, aproximadamente entre 2008 e 2015, que o Brasil pareceu ser o centro do mundo. Galeristas, curadores e colecionadores  falando idiomas dos quatro cantos aportavam por aqui, a arte neoconcreta e as pinturas de Beatriz Milhazes e Adriana Varejão batiam recordes de preço no exterior – quem se lembra do Cristo Redentor levantando voo na capa da The Economist?  

Aliás, a própria SP–Arte era, ao mesmo tempo, reflexo e embaixada deste momento. Uma rápida fotografia dos artistas estrangeiros que foram exibidos na edição de 2014: Kris Martin, na Sies + Höke; Oscar Murillo e Francis Alÿs, na David Zwirner; Gabriel Orozco, Abraham Cruzvillegas e Rirkrit Tiravanija, na mexicana Kurimanzutto; Olafur Eliasson, na alemã neugerriemschneider; Lucio Fontana, nas galerias Cardi e Van de Weghe; Gerhard Richter e William Kentridge, na americana Marian Goodman, Alexander Calder e Donald Judd, na espanhola Elvira González; Michelangelo Pistoletto, na galeria italiana Continua; Ai Weiwei e Anish Kapoor, na Lisson. 

Como nos ensina a yoga, a tristeza é sempre passageira, e a alegria também: aos anos dourados seguiram-se tempos marcados pela recessão, pela extinção do Ministério da Cultura e pela pandemia. Eu (também) estive lá. E o fato de termos permanecido em pé – não sem perdas –, serviu ao menos para mostrar a solidez do nosso sistema artístico e cultural.

É importante ressaltar que 20 anos atrás as pautas de inclusão e diversidade que hoje definem boa parte das diretrizes da vida cultural pouco figuravam no horizonte. Se fosse dito, na ocasião, que teríamos intérpretes de libras em praticamente todo espetáculo ou que artistas e curadores indígenas assinariam a concepção do Pavilhão do Brasil na Bienal de Veneza muitos teriam duvidado.

Nessa linha do tempo, foi justamente em 2004 que Emanoel Araujo inaugurou o Museu Afro-Brasil, abrindo caminhos para importantes iniciativas mais recentes como o Museu das Favelas (2022) e o Museu das Culturas Indígenas (2022). Hoje, poucos são as instituições e galerias que não incluíram negrxs, mulheres, LGBTQ+ entre seus times de gestão e seus artistas representados, revirando hierarquias. Sabemos, no entanto, que o mercado de arte, ao mesmo tempo em que levanta bandeiras, é especialista em contemplar (e defender) interesses do 0,5% mais rico da população. Ninguém está imune à contradição.

Por falar em mulheres, uma cidade é feita por pessoas. São elas que se encontram, disputam espaços, selam acordos, criam impérios. Em qualquer geografia do mercado de arte que se tente traçar para São Paulo – e esta aqui, bastante pessoal – duas lanternas brilham quase que como pontos cardeais: as galerias fundadas há exatas cinco décadas por Luisa Strina e Raquel Arnaud. Locais de encontro e experimentação intergeracional, elas são a prova de que a história é feita de renovação e mudança mas também de certas permanências.Um passeio pela São Paulo dos anos 1970, 80, 90, 2000 e adiante as encontrará, pioneiras que foram em desenvolver e transformar os rumos da arte brasileira. Eu não estive exatamente lá, mas quem esteve me contou. 

Ao comemorar seus 20 anos a SP–Arte começa uma história que entra neste outro registro, o da longa duração.