Entrelaçamentos e hibridismos na história recente da arte brasileira

Ao enaltecer imagens do cotidiano e reiterar a sensibilidade das relações humanas, Maxwell Alexandre (A Gentil Carioca) e Eleonore Koch (Paulo Kuczynski, Almeida & Dale) apresentam, de formas específicas e transversais, uma pintura do reavivamento. Por denúncia e ressignificação, Alexandre exibe elementos visuais representativos das desigualdades socioeconômicas, sobretudo em postos exploradores de trabalho e à mira de violências raciais, ao mesmo tempo que devolve às pessoas pretas suas individualidades e poderes retirados pelos sistemas de opressão. Koch, por outro caminho, cria cenas pacíficas de uma tranquilidade almejada: fugindo do antissemitismo que a caçava na Alemanha nazista, radicou-se no Brasil, onde foi ofuscada por dinâmicas misóginas. Ambos os pintores, portanto, produzem imagens que reivindicam existências plenas e emancipadoras.

Quanto à composição, ambos manejam imagens de naturezas e temporalidades distintas,  misturando tradições figurativas e abstratas – no caso de Alexandre, oriunda do design gráfico contemporâneo de marcas de consumo; e de um lastro concretista e modernista, no caso de Koch. Grandes planos de cor são constituídos por gestos ritmados que espalham os pigmentos de forma desigual, resultando em texturas que ostentam a particularidade das pinceladas e acentuam as escolhas técnicas de Alexandre e de Koch – uma ampla gama de materiais sobre papel kraft e têmpera sobre tela, respectivamente. As decisões matéricas de Alexandre também cobram que os sistemas de arte – tanto museológicos quanto mercadológicos, cada vez mais indissociáveis – aprendam a lidar com as complexidades e riquezas das obras produzidas por artistas pretos, invertendo criticamente um impasse sempre forçado por essas estruturas.

Compartilhando uma atitude transdisciplinar, Vivian Caccuri (Millan, A Gentil Carioca) e Ubi Bava (Paulo Kuczynski, Galatea, Zipper) atravessam campos não usuais nas artes plásticas: Caccuri, imersa nas experiências sensoriais que orbitam as culturas musicais e manifestações sonoras, e Bava, atento à teoria do cinema e da imagem em movimento. Os trabalhos de Vivian Caccuri interessam-se em provocar reações nos espectadores a partir dos sons que suas obras emitem, em um espectro de emoções que podem ir da irritação ao transe; enquanto as obras de Ubi Bava incitam a curiosidade do observador a partir da replicação e da deformação de sua própria imagem, que muda conforme os corpos se movimentam.

A transversalidade entre as obras dos artistas, presente não somente nos discursos, mas nas técnicas, reverbera no uso de materiais e plataformas híbridas que escapam das convenções artísticas. Caixas de som e espelhos parabólicos expandem os campos da cognição auditiva e óptica a limites vertiginosos, propondo obras dinâmicas que intencionam a participação do espectador.

Por mais que abordem a relação do indivíduo com a paisagem de forma abrangente, como um grande tema humano e artístico, Luiz Braga (Leme) e Wanda Pimentel (Athena, Fortes D’Aloia & Gabriel, Galatea) também tratam das conexões subjetivas entre o eu e o horizonte. 

As janelas entre os artistas-espectadores e as paisagens podem ser lidas como resquícios de civilização, lembranças de interferências culturais sobre o quase-infinito rio Guamá em sua desembocadura, no Pará, no caso de Luiz Braga; e em Wanda Pimentel, as gigantescas montanhas do Rio de Janeiro. Elas exibem-se não como obstáculos à vista, mas como aparatos que reafirmam a escala humana diante da grandiosidade da paisagem natural a que se pertence, enquadrando um convite à contemplação nostálgica.

O rigor geométrico da pintura de Pimentel, imposto mesmo à representação dos planos dos morros sinuosos, contrasta com a vernaculidade nas janelas na foto de Braga, cujas linhas orgânicas não se detêm apenas na água e no céu.

Rodrigo Cass (Fortes D’Aloia & Gabriel) e Arthur Bispo do Rosário (Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea, Almeida & Dale) canalizam um discurso espiritual que extrapola a individualidade e se entrega a causas, imagens e nomes de imensuráveis grandezas.

Cass, que viveu como ordenado carmelita por oito anos, e Bispo do Rosário, que permaneceu em uma instituição psiquiátrica por mais de cinquenta, manifestam gramáticas visuais que partem da vivência absoluta da reclusão, da escuta de si e de entidades maiores, como discípulos de vozes soberanas. Ambos utilizam o tecido como veículo da construção de discurso ordenado: em suas pinturas sobre linho, Cass propõe uma espécie de bordado construtivista, com esmero em domar o concreto e uma geometria metafísica sobre o tecido; enquanto Bispo do Rosário anuncia imagens de representação, transcendência e sofisticação com têxteis e fios.  

Por mais que reforcem a subjetividade de seus trabalhos, os dois artistas elaboram sistemas visuais através de uma escuta ativa, em constante busca pela vivência de uma verdade absoluta através da iluminação espiritual.