A jornada da fotografia: de enteada à coadjuvante

Até então, poucos museus de arte colecionavam fotografias e, quando o faziam, as fotos frequentemente integravam o acervo bibliográfico ou a biblioteca de slides da instituição. O Museu de Arte Moderna de Nova York (MOMA) foi pioneiro na criação de um departamento específico de fotografia em 1937, mas foi só em meados da década de 1970 que outras instituições seguiram a deixa: o Instituto de Artes de Minneapolis, em 1973, e o Instituto de Artes de Chicago, em 1975. A principal organização governamental dos Estados Unidos para o financiamento das artes, a National Endowment for the Arts, que apoiava pintores e escultores desde 1965, estabeleceu um programa formal para bolsas de fotografia em 1971.

Antes da década de 1970, fotógrafos costumavam ser classificados como prestadores de serviço. As raras aulas de fotografia oferecidas nas universidades geralmente eram ministradas em escolas de jornalismo. Durante os anos 1970, foram realocadas para os departamentos de arte. Em 1964, havia 25 programas universitários que concediam diplomas em fotografia nos Estados Unidos. Ao todo, 143 alunos se formaram naquele ano. Entre 1991 e 1992, 29.046 estudantes universitários estavam matriculados em um curso de fotografia — muitos dos quais eram mulheres — e 10.457 desses alunos pretendiam se especializar na área.

Um fator decisivo para elevar os preços das fotografias foi o estabelecimento de uma estrutura de marketing nos Estados Unidos e, em menor grau, na Europa. Aumentaram a quantidade de revistas que abordavam fotografia como arte, e, nos Estados Unidos, foram criados leilões dedicados exclusivamente ao meio. Antes disso, as fotografias eram incluídas em leilões de livros ou, ocasionalmente, em leilões de impressões. O primeiro grande leilão estadunidense foi na Swann’s, em Nova York, em 1952, mas não teve bons resultados. A Sotheby’s começou a realizar leilões regulares de fotos em Londres em 1971, e em Nova York em 1975. A Christie’s começou em 1978.

Nas décadas anteriores, foram abertas várias galerias em Nova York que também vendiam fotografia, mas elas logo desapareceram. Foi apenas por volta da década de 1970 que galerias especializadas em fotografia começaram a prosperar. Duas dessas galerias estrearam em 1969, e ambas estão em funcionamento até hoje: a Halsted Gallery, em Birmingham, Michigan, e a Witkin Gallery, em Nova York. No final da década, essas duas pioneiras já tinham concorrência. Mais de 110 galerias nos Estados Unidos passaram a expor fotografia regularmente. O valor de investimento na fotografia contemporânea aumentou quando os artistas começaram a produzir edições numeradas e limitadas, uma tradição emprestada da gravura e popularizada por um ícone estadunidense, Ansel Adams. Até então, a maioria das edições fotográficas era ilimitada.

Se a experiência de ver uma obra de Evans pode ser íntima, ver as obras de Gursky, Wall ou Ruff é algo público, partilhado com aqueles a sua volta. Essas fotografias devem ser entendidas não só como imagens, mas também como objetos.

À medida que os preços de fotografias de grandes artistas contemporâneos chegavam à estratosfera, o valor das obras de importantes fotógrafos que fizeram história acompanhou essa ascensão, embora não chegassem a preços tão altos. Em 1978, por exemplo, um pequeno museu no meio-oeste dos Estados Unidos gastou 10 mil dólares em uma coletânea de 35 impressões vintage de Walker Evans, um dos fotógrafos mais significativos do país na década de 1930, chegando a uma média de 285 dólares por impressão. Em 1980, ao terem seu valor avaliado pela instituição, viram que as fotos estavam precificadas em torno de mil dólares cada — um aumento significativo em apenas dois anos. A impressão vintage mais cara de Evans vendida até hoje foi leiloada, em 2014, por 389 mil dólares. Se assumirmos que as impressões do museu valorizaram de forma semelhante, seu preço aumentou cerca de 1.365 vezes em 25 anos. Ironicamente, os preços mais caros pagos por obras de Gursky e Koons, dois artistas contemporâneos em ascendência, são, respectivamente, 11 e 24 vezes maiores do que o preço mais alto pago por uma obra de um artista falecido que é indiscutivelmente consagrado no panteão da história da fotografia.

Um último fator que coincidiu com, e amplificou, o aumento dos preços e do status da fotografia foi o boom do mercado da arte nos anos 1980. O preço da arte disparou, e colecionadores de arte contemporânea e fotografia tornaram-
-se mais ávidos — quase fanáticos — para conseguir as melhores e mais novas obras do momento, a qualquer custo. Preços cada vez mais altos por fotografias vintage, cuja escassez servia como fator propulsor, reforçaram as apostas de que obras recentes seriam valorizadas ainda mais com o passar dos anos, tornando-se, portanto, bons investimentos. Essas previsões se provaram corretas, pelo menos nas três décadas seguintes. A fotografia, embora menos valorizada do que a pintura e a escultura, assegurou seu papel como coadjuvante nos anais da história da arte.